Официальный сайт goldsoftware 24/7/365

Вы не зарегистрированы

Авторизация



Шедевры зарубежных мастеров

Фото пользователя Антонина Александровна Петрова
Submitted by Антонина Александровна Петрова on пн, 23/02/2009 - 21:38

Дорогие коллеги!  Предлагаю в этом ресурсе разместить материал для уроков, представляющий собой иллюстрацию картины и ее описание. Описание не должно быть очень обширным, нужно сделать краткое, но емкое описание с использованием материала искусствоведов и художественных отзывов о данном произведении.

Задание не их простых, но, я думаю, мы справимся. 

Желаю творческого подхода и успехов!


»  Размещено в сообществах:   

Фото пользователя Антонина Александровна Петрова

На: Шедевры зарубежных мастеров


Моне К. «Бульвар Капуцинок в Париже»

 

Клод Моне передает в этом произведении мгновенное, чисто зрительское впечатление от едва заметно вибрирующего воздуха, от уходящих в глубь улицы людей и уезжающих экипажей. Он разрушает представление о плоскости холста, создавая иллюзию пространства и наполняя его светом, воздухом и движением. Человеческий глаз устремляется в бесконечность, и нет предельной точки, где бы он мог остановиться.
Высокая точка зрения позволяет художнику отказаться от первого плана, и он передает сияющее солнечное освещение в контрасте с голубовато-лиловой тенью от домов, лежащей на уличной мостовой.
Скользящее боковое освещение "дематериализует" архитектуру, придает ей невещественность. В красочном мареве тонут архитектурные детали домов, тают контуры экипажей, растворяются ветки деревьев, а глубина пространства теряется в движении светящегося воздуха. Все это заполняет картину таким образом, что глаз зрителя теряет грань между вертикальной плоскостью стен домов и горизонтальной мостовой; между близкими освещенными стенами зданий и дальним голубым сумраком, скрывающим продолжение улицы. Намеченные быстрыми штрихами фигурки прохожих теперь сливаются в общий поток толпы..
Искусствовед К.Г. Богемская отмечает: "Когда говорят, что импрессионисты умели запечатлевать момент безостановочного движения жизни, то подтверждением этому может быть названа именно картина "Бульвар Капуцинок в Париже" (московский вариант). В других произведениях Клода Моне, при всей их непосредственной сиюминутности, куда меньше стремления вырвать "кадр", чем это ощущается при созерцании данного полотна.
Однако показанная на Первой выставке импрессионистов именно эта картина стала одной из тех, которые вызывали больше всего насмешек и нападок публики. Сам же Клод Моне еще в 1880 году говорил: "Я импрессионист и намерен всегда им оставаться". Эти же слова он мог повторить и на закате своей жизни.
 
Источник: "Сто великих картин" Н.A.Иoнина, издательство "Вече", 2002г

С уважением, Антонина Александровна




Фото пользователя Антонина Александровна Петрова

На: Шедевры зарубежных мастеров


Франсиско Гойя «Махи на балконе»

 

"Махи на балконе" одна из самых знаменитых картин в собрании Нью-Йоркского Метрополитен-музея. Сюжет этого полотна является традиционным в испанском искусстве начиная с XVI века. "Махо" и "махи" - так во времена Ф. Гойи назывались молодые андалузские щеголи и щеголихи из средних слоев городского населения, одевавшиеся в подчеркнуто национальные одежды. Тогда это считалось вызывающей дерзостью, поскольку королевский двор, а за ним и вся испанская знать обратились к французской моде в одежде.

Франсиско Гойя в юности и сам был настоящим "махо". Во время своей жизни в Мадриде он много времени (как ловкий гимнаст, музыкант и певец) проводил на улице и постоянно был замешан во всевозможных историях. Как сообщает одна биографическая легенда, Ф. Гойю однажды подобрали на улице с ножом соперника в спине. Вскоре он поправился, но оставаться в столице не мог, так как на него обратила свое неблагосклонное внимание испанская инквизиция. Денег у Ф. Гойи не было, поэтому он поступил в странствующую группу матадоров.

Художник всегда проявлял интерес к жанровой живописи, и в годы войны за независимость, когда у него не было заказов от королевского двора, он создал несколько больших произведений, вошедших в число его знаменитых шедевров. К ним относится и картина "Махи на балконе", написанная в поздние годы жизни художника. Он и относится к своим героиням как в век поминаниям молодости, окружая их ореолом романтической загадочности. Это полотно имеет несколько вариантов, истории которых переплетаются и зачастую путаются друг с другом.

На своей картине Франсиско Гойя изобразил двух очаровательных молодых женщин, с балкона наблюдающих за жизнью улицы. В глубине, на темном фоне, неясным силуэтом вырисовываются фигуры их кавалеров. Нечто подобное еще и сегодня можно увидеть на улицах некоторых испанских городов.

"Махи на балконе" прекрасны, они полны колдовского очарования, их красота влечет к себе, однако ирония манящего взгляда настораживает. Недаром в кукольной красоте "мах" есть что-то обманчивое, особенно в сочетании с мрачными фигурами мужчин, лица которых почти скрыты плащами и надвинутыми на глаза шляпами.

Для художественного стиля картины характерна яркая экспрессивность. Ф. Гойя не просто изображает, он раскрывает сущность и смысл явления, концентрируя цвет до максимальной простоты и монументальности. С помощью контраста светлого и темного, тонкого и грубого достигается удивительная обобщенность в весьма сжатой форме изображения.

Зрителей притягивают и увлекают эти "махи" в кружевных мантильях. Ф. Гойя изумительно передал изменчивую, нежную и одновременно огненную натуру испанки, о которой еще великий Мигель Сервантес сказал, что она - "ангел в церкви, дома, на улице... и дьявол в любви".

Источник:"Сто великих картин" Н.A.Иoнина, издательство "Вече", 2002г
 

С уважением, Антонина Александровна




Фото пользователя Антонина Александровна Петрова

На: Шедевры зарубежных мастеров


Эжен Делакруа «Свобода, ведущая народ на баррикады»

 

 
    Композиция картины очень динамична. В центре картины расположена группа вооруженных людей в простой одежде, она движется в направлении переднего плана картины и вправо. Из-за порохового дыма не видно площади, не видно и как велика сама эта группа. Напор толпы, заполняющей глубину картины, образует все нарастающее внутреннее давление, которое неизбежно должно прорваться. И вот, опережая толпу, из облака дыма на вершину взятой баррикады широко шагнула прекрасная женщина с трехцветным республиканским знаменем в правой руке и ружьем со штыком в левой. На ее голове красный фригийский колпак якобинцев, одежда ее развевается, обнажая грудь, профиль ее лица напоминает классические черты Венеры Милосской. Это полная сил и воодушевления Свобода, которая решительным и смелым движением указывает путь бойцам. Ведущая людей через баррикады, Свобода не приказывает и не командует - она ободряет и возглавляет восставших.
Аллегорическая Свобода полна жизненной правды, в стремительном порыве идет она впереди колонны революционеров, увлекая их за собой и выражая высший смысл борьбы - силу идеи и возможность победы. Если бы мы не знали, что Ника Самофракийская была вырыта из земли уже после смерти Делакруа, можно было предположить, что художника вдохновлял этот шедевр.
…Указывая на аллегоричность главного образа, некоторые исследователи забывают отметить, что аллегоричность Свободы вовсе не создает диссонанса с остальными фигурами картины, не выглядит в картине настолько инородной и исключительной, как это может показаться с первого взгляда. Ведь остальные действующие персонажи по существу и по своей роли тоже аллегоричны. В их лице Делакруа как бы выводит на передний план те силы, которые совершили революцию: рабочих, интеллигенцию и плебс Парижа. Рабочий в блузе и студент (или художник) с ружьем - представители вполне определенных слоев общества. Это, несомненно, яркие и достоверные образы, но эту их обобщенность Делакруа доводит до символов. И аллегоричность эта, которая отчетливо ощущается уже в них, в фигуре Свободы достигает своего высшего развития. Это грозная и прекрасная богиня, и в то же время она дерзкая парижанка. А рядом прыгает по камням, кричит от восторга и размахивает пистолетами (будто дирижируя событиями) юркий, взлохмаченный мальчишка - маленький гений парижских баррикад, которого через 25 лет Виктор Гюго назовет Гаврошем.
Картиной "Свобода на баррикадах" заканчивается романтический период в творчестве Делакруа. Сам художник очень любил эту свою картину и приложил много усилий, чтобы она попала в Лувр. Однако после захвата власти "буржуазной монархией" экспозиция этого полотна была запрещена. Только в 1848 году Делакруа смог еще один раз, и даже на довольно длительное время, выставить свою картину, но после поражения революции она надолго попала в запасник. Подлинное же значение этого произведения Делакруа определяется вторым его названием, неофициальным: многие уже давно привыкли видеть в этой картине "Марсельезу французской живописи".
 
Источник: "Сто великих картин" Н.A.Иoнина, издательство "Вече", 2002г

С уважением, Антонина Александровна




Фото пользователя Антонина Александровна Петрова

На: Шедевры зарубежных мастеров


Давид Ж. Л.«Смерть Марата»

Замечательная картина была создана всего за три месяца, потому что все способствовало созданию подлинного произведения искусства - и личная дружба, и драматическая сила события, и художественное мастерство живописца.
Но как изобразить страшную минуту смерти Марата? Давид понимал, что только сдержанностью, только простотой изображения сумеет он добиться своей цели. Надо было, чтобы картина вызывала не страх перед смертью, а гнев против убийц. А еще ему хотелось любовно передать величественный облик гражданина, смерть которого оплакивала вся Франция.
Жан Луи Давид изобразил Марата в следующий после убийства момент, в скудной освещенной ванной комнате,с повязанной полотенцем головой. В картине нет ничего надуманного, ничего искусственного, художник устранил все лишнее, оставив лишь минимальное количество предметов, но зато каждый из них выразительно служит поставленной цели. Суровая в своей простоте композиция, чеканные скульптурные формы, подчеркнутый контраст света и тени, строгий колорит и темное пространство фона, на котором выделяется бессильно поникшее тело Марата, - все это делает картину похожей на надгробный памятник. Короткая надпись: "Марату - Давид" - еще больше усиливает это впечатление.
Сам Давид считал портрет низшим жанром живописи, но в этом портрете он обратился к проблеме вождя и героя, и потому из-под его кисти вышло историческое полотно. Художник изобразил Марата среди предметов, бывших свидетелями его смерти. Обрубок, на котором пишет Марат, наводит на мысль о его нетребовательности в личной жизни и скудости средств, для которых, если они появлялись, он находил другое употребление. На краю чурбана лежит ассигнация и записка, на которой можно прочитать: "Отдайте эту ассигнацию той матери шестерых детей, чей муж умер за родину".
В руке Марата зажато то самое письмо с текстом: "13 июля 1793 года: "Анна-Мария-Шарлотта Корде. Достаточно того, что я была несчастна, чтобы рассчитывать на Вашу благожелательность". На полу валяется окровавленный нож, которым только что был нанесен смертельный удар.
Итальянский искусствовед Л. Вентури отмечал, например: "В картине все заострено до крайности: "желтый цвет скамеечки, зеленый - одеяла, белый - простынь и бумаги, трупный оттенок кожи. Все здесь безжалостно точно, вплоть до глубокого черного фона, который действует на зрителя просто устрашающе... Картина скорее передает не боль о потерянном друге, а смятение перед кровавым зрелищем. Оно бьет по нервам, но не задевает души".
Да, Давид действительно был документально точен, поэтому на его картине все изображено, как было: и ванна, и смертельно раненный Марат, и листок в его руке, и деревянный чурбан, и чернильница, и бумаги. Но написанное гениальной кистью, все было согрето таким теплым и добрым чувством, что это полотно никого не могло оставить равнодушным. Поэтому знатоки искусства, тонкие ценители, да и скептики, которых было немало в Конвенте, просто не нашли что сказать. Эта смерть, во всей своей ужасающей простоте, была уже за гранью искусства. Депутаты молча смотрели на холст, который неожиданно оказался простым и холодным, но они были восхищены: никто еще не видел такого Марата - мертвого и одновременно живого. Не случайно французский поэт Шарль Бодлер писал впоследствии: "Перед нами драма во всем ее ужасе. Благодаря необычайной силе передачи, превратившей это произведение в шедевр Давида, в одно из чудес современного искусства, в нем нет ничего тривиального, низменного. В этой картине есть одновременно и что-то нежное, и что-то хватающее за душу. В холодном воздухе этой комнаты, на этих холодных стенах, вокруг этой холодной и зловещей ванны чувствуется веяние души".
Картина Давида настолько полно выражала всеобщие чувства, что Конвент вынес особое постановление о воспроизведении этого произведения в гравюре, отчего оно стало еще более известным. Этот портрет вместе с портретом Лепелетье (тоже кисти Жана Луи Давида) Конвент поместил в своем зале заседаний и постановил: "...они не могут быть изъяты отсюда ни под каким предлогом последующими законадателями". Но после термидорианского переворота картины были убраны, и сейчас "Смерть Марата" находится в Брюссельском музее.
 
Источник: "Сто великих картин" Н.A.Иoнина, издательство "Вече", 2002г

С уважением, Антонина Александровна




Фото пользователя Антонина Александровна Петрова

На: Шедевры зарубежных мастеров


Микеланджело Буонарроти

Фрагмент росписи плафона (потолка) Сикстинской капеллы в Ватикане, выполненной по заказу папы Юлия II. Бог создал Адама и Еву на шестой день Творения. Поселив их в Эдемском саду, Бог под страхом смерти запретил Адаму вкушать плод от Древа познания добра и зла. Но Змей, самый хитрый из тварей божьих, соблазнил Еву, сказав: «Откроются глаза ваши, и будете, как боги, знающие добро и зло». Ева отведала плода и дала его Адаму, который тоже вкусил его. За нарушение запрета Бог наказал Змея, определив ему ползать с тех пор на чреве своем и питаться прахом. Ева за свое ослушание была осуждена рожать в муках и терпеть господство Адама. Наказанием Адаму было впредь трудиться до самой смерти, добывая хлеб насущный в поте лица своего. Бог изгнал их из Рая навсегда, дабы не вкусили они от Древа жизни и не приобрели бы еще и бессмертия.
Сцены грехопадения и изгнания из Рая художник связал в единую композицию: слева Ева принимает от Змея запретный плод, справа Архангел Михаил с огненным мечом в руках изгоняет из Рая растерянную и испуганную чету. Тело Змея, обвившееся вокруг Древа познания добра и зла, переходит в женскую фигуру. Художник видел в женщине искусительницу, виновную в грехопадении человека.

Источник: Система федеральных образовательных порталов
Проект "Педагогика общеобразовательной школы"
© Издательство "Просвещение"

С уважением, Антонина Александровна




Фото пользователя Марина Игоревна Абрамова

На: Шедевры зарубежных мастеров


Антонина Александровна!

Вы описания к картинам сами придумываете, или берете откуда-то:)? Думаю, что ,в первую очередь, нужно о тех картинах рассказать, которые  программой по МХК предусмотрены:)




Фото пользователя Антонина Александровна Петрова

На: Шедевры зарубежных мастеров


Беру из источников, указанных здесь, редактирую, чтобы было короче и по существу. И, конечно, программные произведения, может быть, последовательность не хронологическая получится, но это же не учебник, а просто блог :))). Просто учителю не всегда нужно очень подробно, а здесь можно быстро найти и использовать.

С уважением, Антонина Александровна




Фото пользователя Марина Игоревна Абрамова

На: Шедевры зарубежных мастеров


Заметила, откуда:)) Я на ресурсе "шедевры мирового искусства на уроке" ссылку на сайт о культуре России дала. Там много полезной информации о картинах, их истории, а также о музыке, архитектуре. Правда, ссылка эта только России касается.




Фото пользователя Антонина Александровна Петрова

На: Шедевры зарубежных мастеров


Дега Э. «Голубые танцовщицы»

 

Полотна Эдгара Дега внесли блистательный вклад в историю мирового и французского импрессионизма. Но он более всего известен публике как художник балерин, и действительно, никакие другие сюжеты не привлекали его так сильно. Он был первым из европейских художников, кто совершенно по-новому увидел балет. Балетные картины Э. Дега - это не столько картины балетомана, для этого он был слишком ироничен и страстен. Именно в этих полотнах прослеживается двойная аналитическая работа художника - разрушение иллюзии реального мира и ее новое воссоздание на художественном полотне.
В "Голубых танцовщицах" Э. Дега само радужное мерцание чистых тонов вызывает мелодию танца, в этом полотне воплощена полная непринужденность и свобода композиции. Но критики и публика очень часто смеялись над манерой художника "обрезать" предметы и людей, приписывая ее "неумению" умещать на полотне желаемое, уложиться в размер картины. "Голубые танцовщицы" написаны пастелью, Э. Дега любил пастель, так как при работе ею цвет и линия были едины. Четыре танцовщицы в картине образуют единое целое, своей пластикой передавая идею гармоничного, слаженного и развивающегося движения. Изображен ли здесь момент танца, репетиции или, быть может, на полотне запечатлена фигура одной и той же танцовщицы, но в разных поворотах? Скорее всего зритель не будет вдаваться в подробности, потому что его заворожит сияние голубого цвета - то насыщенного синими оттенками, то переходящего в изумрудные. Светятся и переливаются газовые юбки, сверкают на корсажах и в волосах балерин зеленые, голубые и красные ленты, легко касаются пола ноги в розовых балетных туфлях...
 
Источник: "Сто великих картин" Н.A.Иoнина, издательство "Вече", 2002г

 

С уважением, Антонина Александровна




Фото пользователя Антонина Александровна Петрова

На: Шедевры зарубежных мастеров


Сандро Боттичелли "Рождение Венеры"

...Только что рожденная из морской пены Венера, подплывающая на раковине к берегу, - центральный образ картины. Слева от нее дуют Зефиры, и от их дыхания сыплются розы, словно наполняющие картину благоухающим ароматом. Ритм падения розовых лепестков подобен ритму изумрудных морских волн, образуемых движением раковины.
С другой стороны спешит к богине нимфа Ора, торопясь набросить на нее пурпурный плащ. Но Симонетта-Венера с телом античной богини остается безучастной и к страстному дыханию Зефиров, и к действиям целомудренной Оры. Давно уже было замечено, что хрупкая Венера Боттичелли мало напоминает классический прототип, но зато очень близка образам его скорбных мадонн.

На картине Боттичелли запечатлен тот момент, те часы полуночные, когда (по словам поэта В. Брюсова) еще "...не властен свет", но уже "расточилась тьма". Предрассветное утро, легкой рябью подернуто и еле-еле плещется пустынное море... Лишь на заднем плане картины виднеется голый берег с несколькими острыми мысками, да на берегу с правой стороны колышутся апельсиновые деревья.

Картина "Рождение Венеры" написана Боттичелли около 1485 года, когда (по выражению Вазари) "художник уже настолько уверенно владеет кистью, что может изображать на своих полотнах все, что захочет". Вот и здесь, хотя всякое действие на картине отсутствует, Ветра и Нимфа как будто полны движения. Каждая деталь этого произведения подобна музыке. Ритм композиции присутствует во всей картине - и в изгибе юного тела, и прядях волос, так красиво рвущихся к ветру, и в общей согласованности ее рук, в отставленной ноге, в повороте головы и фигурах, которые ее окружают. На картине Сандро Боттичелли царствует обнаженная женщина, сотканная из ритмов мягких линий и целомудренно прикрывающая грудь и лоно...

Вглядитесь в эту Венеру - в эту стыдливую девушку, в глазах которой блуждает какая-то светлая печаль, будто на мучения идет богиня в земную жизнь. А лицо Венеры, прекрасное лицо Симонетты Веспуччи, стало для многих символом "боттичеллевского настроения".

Источник: "Сто великих картин" Н.A.Иoнина, издательство "Вече", 2002г

С уважением, Антонина Александровна



Смотреть видео онлайн


Смотреть русское с разговорами видео

Online video HD

Видео скачать на телефон

Русские фильмы бесплатно

Full HD video online

Смотреть видео онлайн

Смотреть HD видео бесплатно

School смотреть онлайн